L’art abstrait a toujours été pour moi un synonyme d’incompréhension. Lorsque j’étudiais en arts plastiques au collège de Valleyfield, c’était la matière qui m’intéressait le moins. Au contraire, l’hyperréalisme était pour moi la seule forme d’art qui avait un sens et qui me passionnait. Après avoir gradué du programme en 2010, j’ai pris une longue pause de 10 ans où je n’ai fait ni peinture ni dessin. J’avais mis de côté mon rêve de devenir une artiste. Cependant, je n’ai jamais arrêté de consommer de l’art et d’acheter de la peinture. Lorsque j’ai vu ma première vidéo d’acrylique fluide sur les réseaux sociaux, j’ai été complètement hypnotisée. J’ai tout de suite compris que j’allais finir par essayer de reproduire cette technique qui m’intriguait tant. Je trouvais très satisfaisant de regarder ce genre de vidéos où l’on voit des cellules de toutes les couleurs se former dans la peinture. Je me suis mise à suivre plusieurs artistes pratiquant cette technique et j’ai vite remarqué que la taille de leurs œuvres, ainsi que de leurs cellules, étaient très petites. C’est pendant le confinement que j’ai reconnecté avec l’envie de créer. J’avais enfin tout le temps dont je rêvais pour peindre. Je me suis donné comme défi de travailler avec de gros formats et de réussir à faire d’ immenses cellules qui se caractérisent par leur forme circulaire. J’ai fini par développer un style qui m’est propre.

La technique, parlons-en! Tout dépend des dimensions du support en bois, mais j’utilise en moyenne sept litres de produits pour faire une œuvre. Cela inclut: du médium de lissage, de la colle, de l’huile de silicone, de l’eau, du gesso, de la peinture acrylique, du vernis, et de l’époxy. Je passe beaucoup de temps à préparer mes recettes et à peser les différents composants. Je renverse ensuite mes mélanges sur un panneau de bois que j’ai préalablement sablé, protégé et âpreté. Je suis en amour avec ce bref instant où je sais que j’ai suffisamment manipulé l’œuvre et qu’elle est terminée. Je laisse le tout sécher environ deux semaines, puis j’enlève l’excédent d’huile en procédant à plusieurs étapes de lavage. J’applique ensuite de fines couches de vernis afin que l’époxy adhère correctement à la surface; il faut savoir que l’époxy et l’huile ne font pas bon ménage. J’enlève le ruban protecteur à l’aide de mon « heat gun » et je sable l’arrière pour que la finition soit parfaite. Je signe toutes mes œuvres avec une plaque métallique. Je l’installe sur le côté de l’œuvre, histoire de donner la possibilité à l’acheteur de choisir l’orientation qu’il préfère. Je signe toujours le côté droit afin de suggérer le sens que je favorise. Je m’amuse également à faire un certificat d’authenticité maison pour chacune de mes créations.

Le moment présent est au cœur de ma démarche. Je dois me sentir bien lorsque je crée. Je mets ma musique électronique préférée et surtout, je ne peins pas si je ne suis pas dans un bon état d’esprit. Je m’intéresse énormément à la théorie des couleurs et mon moment favori est la sélection de celles-ci. J’essaie de me laisser guider par les agencements qui me paraissent les plus intéressants visuellement. Le cercle chromatique est très souvent au centre de mon processus de sélection. J’adore également regarder les couleurs chaudes et froides se livrer bataille. C’est particulièrement important pour moi de prendre le temps d’expliquer cette théorie passionnante aux gens qui m’entourent. Mon objectif derrière ceci? C’est qu’ils puissent comprendre à leur tour tout ce qu’implique la pratique de l’art abstrait. Bref, il y a tant à explorer de la théorie à la pratique de cet art incompris et pourtant si magnifique.